Demystifying Art

Julio le Parc, Carboneras, August 1968


What can an artist of my generation do in the current situation? An artist with an ambiguous situation like mine, an artist compromised within the cultural system, and aware of this compromise? An artist like me who sees how easily the bourgeoisie assimilates every new thing that art produces? An artist like me who, despite having tried to transform the condition of the artist and the work, and their relationship to the viewer, remains clear-sighted with respect to the limited value of his efforts and the contradictions of this process within the art world? What can one do?

I have known for some time that our two-sided situation may correspond to a two-sided attitude. That, although receiving support within the cultural system (recognition, an audience, economic means, et cetera), one can attempt to break through the rigid structures of the cul­tural system, by creating conditions for the liquidation of this system. This can be done in two ways:

The first consists of highlighting the contradictions in the art world, the role of art in society, and our own contradictions. This is done via texts, manifestos, declarations, public debate, exchanges of ideas with other artists, and so on. Above all, the goal is to enlighten future generations, to show them the hidden aspect of art. The second way involves attempting to transform, as much as possible, art's essential elements, i.e. the artist, his or her work of art, and the relationship between the work and the public. Since 1960, working in these two directions, I have developed an entire set of activities within the Groupe de Recherche d'Art Visuel.

Currently, since the tidal wave of events in May and June in Paris, the conditions are completely different, even if the situation within the art world remains nearly identical to what it was previously. A conditioning that has been suffered for a long time cannot be undermined in two months of protests. Habits persist. Painters continue to produce their works, galleries and museums continue to show them, critics to critique them, dealers and collectors to assign a monetary value to them, and the "general public," with good reason, remains as indifferent as before. Indifferent and distant from "class"-art, from art that is consumed—if that—only by the bourgeoisie, from art that reasserts within itself all of the privileges of power, from art that maintains people in a dependent, passive state. Despite everything, the experience of May and June created deeper doubts, and fertilized positive availabilities that may bring about new approaches. As always, it could be a race between the effort to get beyond the current artistic situation and, on the other hand, society's capacity to assimilate, integrate, and take advantage of this effort.

We must continue to carry out (as in May) a genuine devaluation of myths, myths that those in power use to maintain their hegemony. We find these myths within art:

the myth of the unique object, the myth of the one who creates unique objects, the myth of success, or worse — the myth of the possibility of success.


Like "democratic" or dictatorial political power, art shares the same situation in which a minority makes the decisions on which the majority depends. It intervenes in the creation of mental structures by determining what is good and what is not. Thus, it helps to keep people in their current situation of passivity and dependency, creating distances, categories, norms and values. Every artist and those who encircle the art world are implicated. Most are in the service of the bourgeoisie and the system.

Without the possibility of challenging the conditioning that the art world imposes on us, without the possibility of questioning all of the established values around art, without the possibility of carrying out a struggle, even of limited scope, against the extensions of the social system within art, without the possibility of creating a living relationship with social problems, the attitude of the artist can only be one of unqualified and unthinking support for the system, either that or it is reduced to an individualist activity that is allegedly neutral.

Currently, more than before, the artistic problem cannot be seen as an internal struggle of trends, but rather as a tacit struggle, very nearly declared, between those who, whether consciously or not, hold to the system and seek to preserve and prolong it, and those who, also consciously or not, through their activities and their positions seek to explode the system by seeking openings and changes. This struggle becomes more effective and more radical when we question ourselves. When we question our attitude, our production, our place in society, and thus avoid a split personality that allows for a progressive political position while maintaining individ­ual privileges.

It is exactly this tacit refusal to bring the protest all the way into the artist's studio—in the case of painters and sculptors who protest against the social system—that gives the illusion of contributing something, while avoiding seeing that we are part of that same system.

What is most efficient for profoundly transforming the system (while relying on mass movements at the same time) is seeking to make profound changes within each domain.

We can no longer hope that change will come about through external torces. Even in the art world, true change can only come from the rank and file, because it is the (socially conditioned) rank and file that, through its behavior, accepts the system, and it is the rank and file that, by a change in its behavior, can explode the system. Thus, within the art world, it appears to me ineffective to attack the cultural system by putting all the blame on something abstract, located who knows where, making it responsible for the state of art today—sometimes it is Malraux, sometimes art dealers, sometimes art critics, sometimes museum directors, but almost never the artists themselves. For example, to protest against the Salon de Paris, one says that the walls of the Musée d’Art Moderne are disgusting, that there is not enough space, that not enough was done to bring people in, et cetera. But it is very rare to hear the artists say that salons and exhibitions have no social weight because the basic product (the work of art) is itself without weight; that it is a marginal product, with nearly always a collusive neutrality, or else it wants to be both committed and "artistic." It is rare to hear them say that what these salons and exhibitions deserve is the indifference of the public that is its means of defense, or that all the effort that goes into a wider distribution of these cultural products (art in actories, et cetera) only serves to maintain people's mental conditioning by forcing them to accept one more time the decisions made by a minority. For us, artists compromised within the system and aware of these problems, there is a task to be accomplished: by acting above all as mavericks, to make young people interested in art aware of the traps laid in the art world. The most urgent task is to question the privilege of individual creation.

This fundamental revolution is the task of future generations, who will have a vision different from ours, and who will be less mentally conditioned and less compromised by the system.

What is there left to do?

Preliminary work: creating the conditions that will make this cultural revolution possible.

Highlighting the contradictions of the art world.

Creating the stages for a change.

Destroying the preconceived concept of the work of art, the artist, and the myths that they give rise to.

Making use of a professional capacity at every occasion when it could call cultural structures into question.

Transforming the pretension of making works of art into a search for transitional means that are able to highlight

people's capacity to take action.

Turning our attention towards a transformation of the role of the artist, from an individual creator into a sort of activator to bring people out of their dependence and passivity.

Envisaging, even on a limited scale, collective experiments that make use of existing means and that create others—outside of museums, galleries, and so on—not for transmitting "culture," but as detonators for new situations.

Creating, in a conscious manner, disturbances in the artistic system, using the most representative events.

Campaigning for the creation of groups in other cities with similar intentions, and then exchanging experiences.

In this way, a parallel activity can come into being in the art world that, while protesting against it, attempts to have an action based in reality, and that will create the appropriate means on each occasion.

As far as I'am personally concerned, I see my attitude within the art world on three levels:

Continuing (until new possibilities arise) to make use of the economic means of this society with the minimum of mystification. As a transitional step, multiples may be the appropriate means.

Continuing to demystify art, and highlighting its contradictions as far as I am personally able, or by joining with other people and groups; by making use of a certain prestige that gives me access to existing means of distribution, or by creating others.

Continuing to seek (particularly with others) possibili­ties for creating situations in which the behavior of the public is an occasion for action. It is highly possible that these three levels will be interrupted by the development of my activity and that they will present contradictions. But an activity that is based in reality and that seeks to change that reality must take advantage of existing possibilities by creating conditions for a more radical change. This activity can be neither dogmatic nor rigid.


Julio le Parc, Carboneras, August 1968



Desmitificar el Arte

Julio Le Parc - Carboneras, agosto 1968


Qué puede hacer en la actualidad un artista de mi generación Un artista con una situación ambigua como la mía. Un artista comprometido con el sistema cultural y teniendo consciencia de este compromiso. Un artista como yo, que ve con qué facilidad la burguesía asimila toda novedad que se haga en arte. Un artista como yo que, habiendo tratado de transformar la condición del artista, de su obra y de su relación con el espectador, permanece lúcido frente al alcance limitado de sus esfuerzos y de las contradicciones de esta tentativa dentro del medio artístico. Qué se puede hacer

Desde hace mucho tiempo ya sé que a nuestra situación ambigua puede corresponder también una actitud doble, aunque tomando apoyo en el sistema cultural (reconocimiento, auditorio, medios económicos, etc.) se podía tratar de pasar a través de las estructuras rígidas del sistema cultural creando condiciones para una liquidación de ese sistema. Y eso de dos maneras:

La primera, era poner en evidencia las contradicciones del medio artístico, del rol del arte en la sociedad y de nuestras propias contradicciones. Esto a través de textos, manifiestos, declaraciones, diálogos públicos, intercambio de ideas con otros artistas, etc. Eso tendía sobre todo a esclarecer las generaciones futuras, para hacerles ver el aspecto oculto del arte.

La segunda manera era la de tratar de transformar, en la medida de nuestras posibilidades, los elementos esenciales del arte, es decir, el artista, su obra y la relación de ésta con el público. En ese doble sentido, yo he desarrollado en el interior del "Groupe de Recherche d'Art Visuel" toda una actividad desde 1960.

En la hora actual, después del ras de la marea de mayo-junio en París, las condiciones son otras, aunque la situación en el interior del medio artístico permanece casi idéntica a la anterior. Un condicionamiento sufrido desde siempre no puede ser trastrocado en dos meses de impugnación. Los hábitos quedan. Los pintores continúan haciendo sus obras, las galerías exponiéndolas, los críticos criticándolas, las galerías y coleccionistas dándoles un valor-dinero y el «gran público», con razón, continúa indiferente como antes. Indiferente y distante de un arte solamente consumible -y quién sabe- por la burguesía, de un arte que reafirma en sí mismo todos los privilegios del poder, de un arte que mantiene la dependencia y la pasividad en la gente.

A pesar de todo, la experiencia de mayo ha creado dudas más profundas y ha fertilizado disponibilidades positivas que pueden engendrar nuevos pasos. Como siempre, puede tratarse de una carrera entre el esfuerzo para sobrepasar la situación artística y, por otra parte, la capacidad de la sociedad para asimilar, integrar, servirse de este esfuerzo.

Será necesario continuar operando (como en mayo) una desvalorización real de los mitos. Mitos sobre los cuales el poder se apoya para mantener su hegemonía. Esos mitos se encuentran también en el interior del arte: el mito de la cosa única, el mito de quien hace las cosas únicas, el mito del éxito o, peor todavía, el mito de la posibilidad del éxito.

A semejanza del poder político (democrático o dictatorial), el arte se inscribe en la misma situación donde una minoría tiene en manos las decisiones de las cuales la mayoría depende. El interviene en la formación de estructuras mentales determinando lo que es bueno y lo que no lo es. Así, el arte ayuda a mantener la gente en su situación de pasividad y de dependencia creando distancias, categorías, normas y valores.

Todos los artistas y los vinculados con el arte están comprometidos. La mayoría lo están al servicio de la burguesía, del sistema.

Sin la posibilidad de afrontar el condicionamiento que el medio artístico nos impone, sin la posibilidad de poner en cuestión todos los valores estables sobre el arte, sin la posibilidad de tener una lucha, incluso de alcance limitado, contra las prolongaciones del sistema social al interior del arte, sin la posibilidad de crear un vínculo real con los problemas sociales, la actitud del artista no sería más que un apoyo incondicional o inconsciente al sistema, o bien ella se reducirla a una actividad individualista de una pretendida neutralidad.

En la hora actual, más que nunca, el problema artístico no puede ser considerado como, una lucha interna de tendencias, pero sí como una lucha tácita, casi declarada, entre los que, de una manera consciente o no, sostienen el sistema y buscan conservarlo y prolongarlo, y los que igualmente, de una manera consciente o no, con su actividad y su posición, quieren hacerlo estallar, buscando aperturas y cambios.

Esta lucha se hace más efectiva y radical cuando nosotros nos ponemos en cuestión. Cuando ponemos en cuestión nuestra actitud, nuestra producción, nuestro lugar en la sociedad. Evitando así un desdoblamiento de la personalidad que permite tener una posición progresista en el plano político guardando privilegios particulares.

Es precisamente ese rechazo tácito de llevar la contestación hasta el interior de los "ateliers" en el caso de los pintores y escultores que impugnan el sistema social, que da la impresión de dar un aporte, evitando ver que nosotros formamos parte de ese mismo sistema.

Lo que es más eficaz para una transformación profunda del sistema (además de apoyar los movimientos de masa) es buscar efectivamente el hacer cambios profundos en el interior de cada dominio.

No se puede esperar más que los cambios sean el producto de fuerzas exteriores. Incluso en el medio artístico, los verdaderos cambios no pueden provenir más que de la base. Pues es ella (socialmente condicionada) la que por su comportamiento acepta el sistema y es ella la que también por un cambio de su comportamiento puede hacerlo estallar.

Así, al interior del medio artístico, me parece poco eficaz atacar el sistema cultural poniendo todas las culpas sobre la cuenta de alguna cosa abstracta, ubicada uno no sabe-dónde, y que sería responsable de lo que es el arte hoy: algunas veces es Malraux, algunas veces las galerías, algunas veces los críticos de arte y otras veces los directores de museos, pero casi nunca los propios pintores. Por ejemplo, para rechazar los Salones de París, se dirá que las paredes del

Museo de Arte Moderno están sucias, que falta espacio, que la publicidad para hacer venir la gente es insuficiente, etc. Pero es muy raro escuchar decir a los artistas: que los salones y exposiciones de arte son sin peso social, porque el producto de base (la obra de arte) carece en sí mismo de peso, que es un producto marginal, con casi siempre una neutralidad cómplice, o bien entonces pretendiéndose comprometida y "artística"; que la sola cosa que esos salones y exposiciones merecen es la indiferencia del público, que es su medio de defensa; que todos los esfuerzos para tener así una gran difusión de esos productos culturales (el arte en la fábrica, etc.) sirven únicamente para mantener los condicionamientos mentales de la gente, haciéndoles aceptar una vez más las decisiones de una minoría.

Para nosotros, artistas comprometidos en el sistema y sintiendo esos problemas, nos queda un trabajo a realizar accionando sobre todo como francotiradores: hacer ver a los jóvenes que se interesan en el arte las trampas del medio artístico. Lo más urgente es poner colectivamente en cuestión el privilegio de la creación individual. Esta revolución fundamental será el deber de las generaciones futuras que tendrán desde el comienzo una visión diferente de la nuestra, y que estarán menos condicionadas mentalmente y menos comprometidas por el sistema.

Qué nos queda por hacer

Un trabajo preparatorio: la creación de las condiciones que harán posible esta revolución cultural.

Poner en evidencia las contradicciones del medio artístico. Crear condiciones para un cambio. Destruir la idea preconcebida de la obra de arte, del artista y de los mitos que surgen de ellos.

Servirse de una capacidad profesional en toda ocasión donde ella pueda poner en cuestión las estructuras culturales.

Transformar la pretensión de hacer obras de arte en una investigación de medios transitorios que puedan poner en evidencia la capacidad que tiene la gente para la acción.

Orientarse hacia una transformación del rol del artista, creador individualista, hacia una suerte de activador para sacar a la gente de su dependencia y pasividad.

Encarar, incluso con un alcance limitado, experiencias colectivas, sirviéndose de los medios existentes y creando otros fuera de los museos, galerías, etc., no para una divulgación de la "cultura", sino como detonadores de nuevas situaciones.

Crear de una manera deliberada perturbaciones dentro del sistema artístico, dentro de las manifestaciones más representativas.

Militar para la creación de grupos en otras ciudades con intenciones parecidas, luego intercambiar las experiencias.

Así puede nacer una actividad paralela al medio artístico que, además de impugnarlo, tratará de tener una acción insertada en la realidad y creará en cada ocasión los medios apropiados.

En lo que me concierne particularmente, veo mi actitud al medio artístico en tres planos;


Continuar (hasta la aparición de nuevas posibilidades) sirviéndome de los medios económicos de esta sociedad con el mínimo de mistificación. Para una etapa transitoria, los múltiples pueden ser el medio apropiado.

Continuar desmitificando el arte y poner en evidencia sus contradicciones en la medida de mis posibilidades personales o asociándome a otra gente o grupos, sirviéndome de un cierto prestigio que da acceso a los medios de difusión existentes o creando otros.

Continuar o buscar (sobre todo con otra gente) posibilidades para crear situaciones donde el comportamiento del público sea un ejercicio para la acción.

Es posible que estos tres planos se encuentren entrecortados en el desarrollo de mi actividad y que ellos presenten contradicciones.

Pero una actividad insertada en la realidad y queriendo cambiarla debe aprovechar posibilidades existentes creando condiciones para un cambio más radical. Ella no puede ser ni dogmática ni rígida.